happy time in ART and WORDS

郭恩碩 創作個展【聽不清楚你在說什麼】 Kuo N Shuo Solo Exhibition: Everything You Say is Muffled 臺北承德館 CHENGDE SPACE-TAIPEI Sep. 10 → Oct. 20 2024 展覽介紹 當代社會中，資訊如洪流般湧現，價值觀多元交織，人們在溝通中往往難免誤解，甚至會陷入「對牛彈琴」的無奈境地。藝術家郭恩碩將這種「不清楚」的狀態具象化，營造出一種模糊不清、充滿不確定性的氛圍，引導觀者深入體會「理解偏差」的複雜性，不僅反映了當代社會溝通中的障礙，更挑戰觀者去思考：在這個價值多元的時代，我們如何才能真正理解他人的觀點？ 在空間邊界尋求對話 郭恩碩的創作常利用觀眾參與的方式，反應現實的狀況，並嘗試用創作找尋動人的瞬間。《聽不清楚你在說什麼》聚焦於人與人之間的溝通與理解，巨量的資訊衝擊、步調快速的環境下，人們難以靜心傾聽與理解判別，也無法更精準表達自我。對郭恩碩而言，木作不僅是創作的工具，更是他表達思想的語言，透過木作來構築作品的空間，將他對空間的深刻理解具象化。每件作品都是他對空間的敏銳感知和獨特思考的體現，讓觀眾不僅能夠觀看和思索，還能在與作品互動中產生深刻的情感共鳴。 重組與反思 「這樣的一個好」這件作品不僅是對自然的模仿，更是對人與自然關係的反思。觀眾在這片看似無害的草地上，每一步都可能改變其形態，隱喻了人對環境的影響。草地象徵著社會的公共空間，人在此相遇、交流，也可能產生隔閡，透過這種看似矛盾的結合，引發觀者對自然與人工、真實與虛假的思考。 草地作為公共空間，承載著人們的休憩與社交活動，但它也是一個界線模糊的空間，可以是聚合的中心，也可以是隔離的屏障。這次展出的草皮並非由工廠製作，而是用日常生活中常見的尼龍掃把一根根插入水泥模板中，打破傳統與藝術之間的界限，讓日常物件成為藝術的一部分。重新塑造的環境，空間不再是被動的背景，而是主動參與到作品之中，觀眾在這片草地漫步時能感受到無限可能，從觀賞藝術品的距離感到對空間的理解，除了暫停在物理層面，更深入到心理和情感層面。在解構與重組下打造成充滿可能性與不確定性的場域，觸發觀者對溝通、理解與存在的深層體會。 「這次展覽不僅是作品的展示，更是我對自身藝術道路的一次整理與反思。」《聽不清楚你在說什麼》是郭恩碩整合過去作品的脈絡，藉此重組與更細膩梳理表達的...

  展覽介紹 無拘束的女性身體構成了展覽和闕巧涵藝術創作的核心。她刻意天真的繪畫風格、強烈的色彩運用與動物意象，賦予自父權桎梏下解放的女性人物形象一種純真和自由感。在這些敘事中，流動著慾望的潛流，而人物按照原始的衝動行動。     闕巧涵的創作反映出她成長於台灣的生活與文化背景，以及西方藝術史的深遠影響；其作品也傳達她在歐洲生活和工作的經驗，特別是作為一位亞洲女性在西方的視角。    她的風格讓人聯想到歐洲的野獸派、德國表現主義等藝術運動。她不僅使用如泡泡糖般粉紅色、薰衣草色和天藍色等任意色彩描繪人體皮膚，更擺脫了傳統西方具象繪畫的限制，使用書法和水墨的視覺語言，為人物的身體增添輪廓和質感。    在闕巧涵的作品中，想像的敘事透過快速的繪畫姿態由潛意識中浮現，傳達內在情感和肉體的官能感受。她刻意保留繪畫的痕跡和筆觸的速度感，使用平筆形成流暢的筆觸，增加人物的迅疾感和與周遭景觀間的緊張關係。闕巧涵繪製身體形態時，不受銳利線條的限制，她使用粗糙的筆觸形成動態而模糊的人物，而鬆散的線條和色彩區域時而融入背景。隨著她對周遭世界快速變化的探索，每一件在「親密遊戲」展出的畫作，皆捕捉到了獨特的時刻。她的繪畫作品對我們存在的短暫性提出了深刻的評論，事物的起源和痕跡正迅速褪去。    闕巧涵在其作品中，創造了不同生命形式之間的視覺對話，這些對話常常是在野性或極端環境中的原始強度中。這種互動不僅僅是美學的；它作為一個批判的視角，質問著生命自身的基礎結構。每一筆觸、每一個顏色的選擇都超越了純粹的物理性，而成為連接可見與不可見、記憶與遺忘之間的哲學媒介。    闕巧涵作品中描繪的人物手、臂和腿，往往超出了人類形態而彼此纏繞扭曲。這種意象同時充滿玩味和懸疑，突顯了性自由和身體上的危險兩者之間的脆弱動能。根據闕巧涵的說法，生存的危機和壓力，以及本能驅使的瘋狂狀態，在她的繪畫中成為一種直接而強大的表現。     畫布之外，闕巧涵的作品挑戰並質疑她所處時代的規範、我們共存的本質、以及與女性氣質緊密連結的深層恥辱。闕巧涵的畫作標題簡單，但它們概括了場景、她的好奇之處和視野，為觀眾呈現出一種既突破又純真的意象。透過她的作品，闕巧涵邀請我們面對這些複雜性，並提供了一...

展覽介紹 當代藝術折射出藝術家對生活、情感和存在的深刻探索。每位藝術家都擁有獨特的背景和故事，透過不同的表達方式，試圖捕捉心靈的共鳴與美的永恆追求。不僅追求藝術作品的美感，更尋求著生活與藝術之間的和諧與連結，將個人的情感和思想融入作品之中，以此探索人生的意義與價值。這種對藝術的孜孜追求，顯現了藝術家對於美、真、善的體現，也讓觀者得以從中汲取靈感，尋找自我與生命的共振點。 生命的轉折與創作靈感 藝術家張哲軒將創作目光聚焦於近三年的生命歷程。在這個世界中經歷疫情蔓延、看見戰爭中的殘酷以及面對親人逝去的憂傷，這一切所面對的挑戰都使他更加深入地探索生命的無常、轉折與回歸。他的作品如同一本生命之書，記錄著衝擊、落空、低潮、沈澱、放下與前行的心境，用抽象的語言反映情感的起伏，詮釋著生活中的詩意與禪意。在他眼中，生活的每個瞬間片刻都可能孕育著創作的火花。無論是味道、形狀、痕跡，還是感觸，都可能成為靈感來源。對張哲軒來說「有感」、「行動」與「放空」是最重要的。工作期間不斷運轉的腦袋，讓他下意識地填補每一刻時間。然而，放空對創作有益，是消化與感受的重要途徑；行動意味著創作需要有實際的行為輸出，將感悟付諸實踐。他提及騎單車正是他尋找靈感的途徑之一，這個平靜的行程讓他得以放空心靈，沉浸在自然、風景與自我對話之中。   內心風景的探索 個人的創作是在挖掘內心的風景，藉由生活所經歷的各種知覺與感覺，在日常風景中投射與映照，試圖在兩者間揉合出一種表達的方式，稱之為「內心風景」亦或是「心像風景」。畫面構成的過程充滿著感受與意象。抽象藝術是一種跳脫像與不像的轉化，需要感受與準確的表達，就像閱讀一樣，在沒有形象的情況下，用意識來閱讀感受，每個人有其解讀的角度。如同東方水墨畫中的留白呼應了道家老子思想中的「天下萬物生於有，有生於無」。藝術家張哲軒將這些元素結合在一起，形成了他獨特的創作風格。在每一幅作品中，都能看到他對於虛實、存在與消逝的思考，以及對於生命和情感的詩意表現。 經歷與創作的交融 在創作過程中，心境與想法不斷轉變，作品的風格與樣貌在不同時間點都會有所變化。張哲軒了解到在生活上、精神上承受壓力時，無法創作出滿意的作品，因此給了自己沈澱的時間。作品以抽象形式呈現，創作初期從眾多草稿中選出最貼近心境的意象轉化到畫布上，經歷一番翻攪後，內心被層層篩選過，留下的只有想要說的話，...

  「怪誕劇場」是藝術家翁榛羚對現今社會價值觀和環境的回應，藉由描繪畸形與怪誕的人物畫，將焦點轉向當下身體及感官所在，呈現現實生態和複雜心理狀態。現就讀於國立臺北藝術大學美術學系碩士班水墨組，翁榛羚創作靈感主要來自於日常生活中的怪異、詭異或帶有黑色幽默的事件，以及對於文學題材的熱愛，這些元素共同構築了她的創作動力，使她能夠深入挖掘身心靈的敏感面向，將之轉化為獨特的藝術表現。 劇場，對翁榛羚來說如同一個照著聚光燈的舞台，每個人在生活中都扮演著不同的角色，戴著不同的面具。這也反映了對於人生觀的思考，與對於個體在任何身分中的多面向理解。她幻想著當面具崩解的那一刻，人們的真實模樣將浮現，並透過人的多種面向和心理狀態，結合東方傳統繪畫和美學觀，創作出一系列詼諧附有含意的黑色幽默元素作品。作品的展呈方式結合東方傳統裝裱形式，如手卷、扇面、屏風等，既呼應古人繪畫，又探討東方傳統裝裱形式在當代的新可能性。 以版畫為創作方式是翁榛羚在水墨繪畫中拓展出的另一種創作方式，運用凹版中的銅版腐蝕技法，將畫面線條推向極致，並結合線香燃燒的方式，打破了凹版印製所產生的壓印痕跡。銅版對翁榛羚來說，是一片完整無缺的媒材，而在腐蝕的過程中，他感到一種掌握「安全感」的滿足。然而，這同時也帶來了與自我矛盾的地方，沉溺於痛苦中卻又想逃避。在創作的過程中，銅版對於「自我」的探討不僅是在外在形象上，更是涉及不同的時間、空間、人事物中，對於「地獄的風景」的探討。這種技法使版畫變成無法複製的型態，突顯了翁榛羚對於獨特性和原創性的追求，創作的心境從理性的思考出發，過程中可能出現一些病態或癲狂的心理狀態。   展覽中的主打作品《人生當鋪》系列作以扇面及摺扇的形式呈現，大量的「當」字充斥在布幕上。透過裸體畸型的人物和線香的燃燒，翁榛羚象徵著痛楚和消逝的意涵，引導觀眾進入一場人生當鋪的想像之旅。他深入探討「人之惡」及「人體」的圖像刻畫，結合自我精神及肉體分裂的狀態，呈現出真實與幻覺交錯的影像。在這個劇場中，黑暗、獵奇、揶揄「人性百態」，情色與暴力僅是身體語言，而畸形不在於人體，而是社會中扭曲人心的累積。 總的來說，「怪誕劇場」展現了翁榛羚對於當代社會、個體心靈和身體狀態的深刻思考，以及對於藝術表現形式的多元嘗試。他的創作不僅在技法上具有獨特性，更在情感表達和對於人性的省思上呈現出深度。希望觀眾在欣賞畫中的...

  展覽介紹 穿越時光的隧道，以夢境和記憶為主軸，細緻描繪出一幅幅抽象而富有情感的畫面。藝術家連芯妤在家庭的愛與包容中長大，從小學習各種事物，在大學和研究所時接觸到不同的藝術形式，走上了藝術創作的道路。為了讓自己更有多元國際視野，她去了許多地方包含了在美國克里夫蘭實習版畫學習石版及銅版、澳洲墨爾本駐村，以及波瀾駐村等寶貴的經驗，豐富了她的創作，塑造她的藝術軌跡。 藝術家的靈感來自於日常生活、夢境和過去的記憶探索時間渲染下夢與現實的交錯。她經常作夢，並在半醒的時候記錄下夢中的細節，將其轉化為圖像或文字。同時，她在現實中緊緊抓住想要保留的記憶，以天空的樣貌聯想到當下的情感。將夢境中的模糊感和現實中的光影相互交織，呈現在作品中。通過破碎的圖像符號和線條，重新詮釋短暫的時刻，反覆交織、重構，審視過去的記憶在當今的面貌，這種對於記憶的渴望，成為她創作的源泉。 布是她進入夢境的媒介，其柔軟性和多樣性使其成為表現夢境的理想材料，布所沾染氣味，卻隨著時間消逝，如同記憶。透過重複的縫製動作，她將感受和回憶以針線細緻地縫在作品中，版畫與布的創作過程相似，都需要長時間的重複動作，這種安靜的創作過程讓她感到寧靜。從以前主要圍繞在美好的記憶，高彩度的色彩，到歐洲之行後感受到的寧靜，創作主題和色調逐漸轉變。快速的將夢境和記憶用直覺的方式記錄下來，然後在縫製的過程中進行反覆的思考和添加，使作品更加豐富有層次。這次展覽涵蓋了2019年至今的創作，呈現了藝術家心境上的轉變。 這次展覽的主打作品《隧道夢之窗》是藝術家自2019年以來一直做的一場夢的再現。夢中穿越歐洲小巷，迷宮般的場景，走出後卻發現置身於家鄉小巷。作品通過簡單的線條呈現，突破了以往的破碎圖像，讓觀眾透過鐵窗的縫隙看見光影中的塵埃，感受夢境和記憶的交錯。透過這次展覽，以不同於以往的佈展方式，呈現最新的創作。展覽的主題「夢的塵埃」如同半夢半醒中的感覺，觀眾在作品中可以像閱讀故事一樣，看見夢境和記憶的軌跡，感受柔軟的包裹和療癒的力量。 透過連芯妤本次展覽作品，帶領觀眾進入她夢境和記憶的世界，讓人在迷離中感受到生命的瑰麗。這場藝術之旅，彷彿是一趟心靈的冒險，讓人思考著夢境和現實之間的微妙關係，並在作品中找到自己的共感點。

飲食作家盧怡安，從fine dining到市場小吃，熱愛飲食，也愛動手做菜的人。喜歡安靜地待在家，也喜歡衝動型旅行的雙重人格。市場、小鎮、新奇的食材總會勾起好奇心。攝影、寫作、策展、食譜設計，參與領域總無法定義。 拿起手機滑著社群，跳出怡安與大家分享的家常菜，清淡卻不失優雅的畫面，靜靜地讓人感到滿足。新書《秋刀魚變溫柔了》描寫市場的互動小技巧、在廚房的美好味道、茶案前的愜意茶飲以及餐桌上的美感呈現。書中直率的文字彷彿好友一般，簡單卻富有人情味，讀著令人回味，立刻放下書本起身，走一趟市場。 「第一次把國外菜市場當成景點在逛，是十幾年前。在充滿異國情調的市場裡，走走逛逛買些熟食都讓人覺得開心。」傳統市場獨有的魅力，不同國家的市場獨有的隱藏美食，帶來的不僅是味覺享受更多的是文化體驗，結束了旅程滿心期待下一次再到市場尋寶。 旅行中的市場，始終令人著迷。 亞洲地區的市場，販售許多當地特有的食材與小吃，市場周邊總會有許多道地的食物，有時候不用花時間排隊，就能品嚐到在地美味。嘉義著名的東市場，除了許多廣為人知的牛雜湯、筒仔米糕、排骨酥、楊桃冰、羊肉湯、網絲肉捲、春捲等，更有隱藏版的牛奶阿伯；四川成都市場的攤前掛著留下腳毛的兔子、雜貨店裡充滿不同料理所需的辣椒；玉林市場攤上東西擺放整齊漂亮，視覺令人享受。九月是盛產菇的季節，四川多山，又與西藏、雲南接壤，從不同地區來的菇，各有特色；河內市場周邊賣pho 的攤子，臺灣常見的越南河粉不外乎雞肉、豬肉，而在當地則有許多不同部位的河粉，牛肩肉、牛腹肉等，鋪上些許醃菜，喚起味蕾的多重體驗。 談及日本，有三大朝市相當著名，分別是岐阜縣的宮川朝市、石川縣的輪島朝市，以及千葉縣的勝浦朝市。朝市販賣新鮮的蔬果及海鮮、貝類，相當受在地人喜愛，更是旅人挖寶的好去處。無論是傳統市場、超級市場或近年興起的農夫市集，都聚集了各式「生活必需」，除了食材、食物還有各式各樣的生活物品，依照不同的市場環境陳列著。 「市場」可以成為旅行的目的地。逛市場，逐漸成旅人行程中重要的部分，是種貼近當地的生活方式，也讓人離不開這些城市，成為不斷回訪的理由。金車文藝講堂邀請飲食作家盧怡安，用文字與影像分享她旅行中的市場，聊聊在眾多市場的所聞與發生的小趣事，當你開始逛市場後，相信你也會愛上市場帶給你的無窮驚喜。

  展覽介紹 對藝術的熱愛早在童年就迸發出來，童年時期的跨文化經歷即使面對語言的隔閡依然能以創作來與之溝通，讓藝術家倪士珍對不同文化和語言的敏感度大幅提高，色彩和畫圖的熱情也一直伴隨著她。成長過程中，畫畫成為倪士珍表達情感和思想的媒介，她的藝術教育始於台灣深化於美國，為她提供了多元化的藝術背景和視野。   紙漿雕塑是藝術家倪士珍的獨特載體，為一種相對不常見的媒材。會選擇此種媒材是受到過去雕塑教授的啟發，西方文藝復興時期的雕塑，著重在肌肉線條和身體的完美比例，展現了雕塑的力與美，因此啟發倪士珍對於雕塑的崇拜。紙漿的質感和可塑性使得倪士珍能夠創作出極具細節和情感的作品，輕巧和可塑性使她能夠自由地塑造複雜的結構，無需受重量的制約，讓她的作品能擁有更大的自由度和表現力。媒材選擇忠實呈現了她對藝術的不斷探索和創新，不滿足於傳統的藝術形式，而是勇於挑戰和突破界限。 兔子，作為西方文化中復活節的象徵，象徵著新生命的開始。選擇以兔子作為創作中最重要的符號並非偶然，而是深思熟慮的結果。對他而言，兔子代表了個人成長和自我探索的旅程，儘管兔子常被視為弱小和可愛的生物，處於食物鏈底端的動物，但還是在殘酷的大自然裡奮鬥尋找自己的生存空間。她將自我投射在兔子的形象中反思、自省，透過這些兔子雕塑，分享她在現代社會中不斷尋找自我價值的心路歷程。對於倪士珍來說創作過程是一場充滿情感與挑戰的旅程，心思細膩的她關注生活中的人、事與物，並將內心的觸動轉化為藝術作品，創作過程中的每階段都是作品的生命軌跡，從構思的期待到製作過程中的困難和挑戰，再到最終的完成和喜悅。這些階段都反映了內在的情感和思想，從而引導觀眾重新審視自我價值和內心世界，啟發思考生活的多樣層面使作品更具深度和共鳴。   關於展覽「兔想世界-Renaissance 2.0」，倪士珍期望回歸自己的原點跟對於從事藝術創作的信念， Renaissance 原指古典藝術傳統的再生，也指求助於自己的歷史源頭促進更新的含意。對於現代社會中講求短時速成且缺乏情感的時代下，她創造出代表現代的趣味但又不失古典美感及手感的雕塑，想用舊跟新的結合突破現有的框架呈現新型的作品，在充滿活力和創造力的靈魂下，她的作品呈現出關於生命、情感和思想的探索，是關於成長和復興的故事，在這個獨特的文藝復興世界中，引領我們進入充滿奇幻和深度的新藝術世界，回歸...