happy time in ART and WORDS

  陶瓷在生活中是不可或缺的物品，凡舉杯子、碗盤以及瓶罐等都隨處可見，無論是工廠大量生產，亦或是個人工作室的陶瓷器物，都擁有著不同的喜好者。每位陶藝創作家，對於自己的作品擁有自己獨一無二的觀點以及製作的方法，作品總會表現出其中的不同，而藝術家杜瑀婕將對於陶瓷的喜愛與堅持注入其中，讓觀者在每件作品中都能看見如此的精神。   從無到有的累積 對於「工藝」這個詞，杜瑀婕提到自己在高中時原先以為的工藝只是單純串珠等手作，在進入學校發現原來能學習到這麼多不一樣的媒材與專業，對於自己的選擇她不後悔更一頭栽進這個藝術世界。從原先學習金工創作到目前專職在的陶瓷創作，擁有這樣的改變是因為她在生活中觀察到，比起飾品更貼近自己生活的物品是「杯子」，對她來說杯子使用頻率較飾品高，進而開始專注在容器上的創作。從2012年接觸陶藝至今已達八年，在這不短的學習過程中，從一開始四年的基礎摸索，到後四年逐漸得心應手，都是她創作之路上珍貴的累積，面對作品的不完美，不論是技術上、理念上、形式上，杜瑀婕提到對於自己的作品總是會有不順眼、覺得沒那麼理想的地方，這些都能夠促使下一次創作更好、更完整，任何一點點的進步，都是未來創作的能量，不斷的挑戰自己，在許多失敗中找尋方法，都是每一位職人的必經過程。   生活即是創作的泉源 以工業風格創作為主的杜瑀婕，創作靈感多來自於工作室和家裡。家中陪伴著她許多年的皮革沙發，讓她將皮革作為系列作品的出發，皮革質感結合容器，從最初嘗試用皮革拉扣以及鋼筋的元素製作出一只茶壺，接著後續的啤酒杯，直至發展出這次展覽中的〈皮革杯與座〉都是一種情感的延續。長時間待在工作室，周遭盡是工廠的設備，所有可以看見的機械設備、空間管線配置都是杜瑀婕的取材對象，像是轆轤、窯爐、噴槍、氣槍、研磨機或電鑽等，這些物件無形之中影響杜瑀婕的美感，透過工業的機具或工業的產物作為主角進行創作。器具使用下的感知經驗也是她生活很重要的部分，她仿製窯爐門上的鎖所創作出的〈高腳杯與座〉、複雜的管線創作出的〈管與燈〉，以及家中的沙發所發展出來的皮革系列，都是環環相扣著她自己。杜瑀婕認為自己要做的不是一般大眾所使用的馬克杯，在她的觀察中現在的市場，已經相對不缺她來製作一只實用性的馬克杯，在她的作品裡，製作出來的容器雖然實用性不高，但是精緻的外表與造型卻能讓人在使用中同時把玩，猶如古玩一樣，它可...

  生命的意義是什麼？生命的過程中，緣起緣滅僅只於瞬間，它最終會消逝。地球上的任何物種擁有相同的過程，唯獨不同之處僅止於時間已矣。或許，你曾想過消逝之後會是什麼？對於未知的迷茫，也讓我們更想好好體會生活中遇見的人、事、物。已逝去的過往，在最後的那刻將會如何被留下，我們可能沒有答案，但是藝術家洪昕，她帶著獨到的觀察視角，將消逝的樣貌留存與延展。美好，卻也帶著淡淡的憂傷。   生命的延續 年幼時期洪昕與外公的田野散步時光，偶爾會看見因農藥或除草劑而中毒的鳥類遺體，這裡是她私人博物館中的鳥類標本室，欣賞著鳥類美麗的羽毛，搭配外公簡單的介紹，儘管生命已逝去。外公家門口有棵相當大的鳳凰樹，鳳凰樹被譽為世界上色彩最鮮豔的樹木之一，然而每年秋冬掉落的樹葉，唯獨葉脈的中勒部分最為明顯，能當畫筆在泥土地上繪畫。童年過往影響她對於動、植物軀殼或殘骸的觀看方式，死亡的小動物彷彿沉睡般，枝葉的枯萎，凋零卻還是存在著另一種美，對於生命的好奇，洪昕從自己身邊的事物去探究與思考。   藝術的有趣之處在於沒有限制，創作者選擇最適合的表現方式，呈現自我的觀點，讓作品帶著觀者體驗並進行對話。洪昕的創作包含平面繪畫以及裝置作品，她將個人情感投射於生物殘軀、微小事物的形象，以唯美的氛圍重新詮釋當下呈現意象，為了表現消逝的氛圍，選擇以膠彩來繪製。新岩顏料如沙子般的顆粒性質，讓洪昕能在作品中營造多層次的空間，顏色附著力更好，無論精細描繪、暈染或厚疊，皆能彈性運用於描繪凋零的植物、生物軀殼，表現消逝狀態的美；葉脈中勒的造型，每一枝都有獨特的彎曲弧度，選擇合適的彎度與造型來組合，讓細枝重新飄半空中晃盪，纏繞的線也保留在空中飄浮不定，彷彿映照自己內心對於未知的死後世界所感到的徬徨。   「美」的詮釋與表現 日本現代美學家大西克禮 的美學理論中，談及「哀」不僅只是單純的表達我們生活中所體會的現實感動，而是進一步懂得去理解那種感動的心情。洪昕 日常生活觀察植物枝葉的光影變化，以及生物殘骸所給予她無盡的想像，雖然充滿著憐惜與不捨，卻也用繪畫保存當下美，跳脫原先寫實的樣貌賦予更多個人情感在其中。對於畫面的呈現，她用自己的方式表現眼中的那種美，並且讓觀眾看見自己發掘的美麗角度，畫面選擇粉色系、柔和的顏色，營造較為溫柔的視覺不致讓人感受噁心，作品在乍看之下無法看出是動物死亡的切片。作品＜消...

  楊淳淳，女性自由藝術創作者，藉由此次的展出，將「赤子之心」系列作品擴展延伸，紀錄生活中所觀察到的事物，並用另一種詼諧童趣的方式表達對這時代的想法。 心中的那個小孩 從小就喜歡畫畫的淳淳，平時便會畫些小插圖記錄自己的心情與日常，從其創作中，看出她質樸的個性，也喜愛嘗試不同創作手法並結合複合媒材，使畫面更加豐富，作品散見於各城市地圖、繪本插圖……等。 幼稚園時期，在牆壁上塗鴉的她，可謂是藝術種子的萌芽，母親發現其對藝術的天份也開始培養她對畫畫的興趣。出生於台中的淳淳，國小便常在畫室學習，在國中美術班三年的薰陶下升上大明美工，之後進入建國科技大學空間設計系就讀，畢業後曾經當過設計助理，期間經歷了無情的金融海嘯，卻沒有將她擊倒。 藉由早上上班晚上接案的生活熬過那段艱辛日子，於2012年成立了「日淳」品牌，在臉書專頁慢慢地累積粉絲，也曾將作品放置於台灣最大的設計師入口網站「黑秀網」打響知名度，透過網路無遠弗屆的特性，漸漸的也越來越多人認識她。 關於展覽 赤子之心，源自《孟子．離婁下》：「大人者，不失其赤子之心者也。」意指如赤子般善良、純潔、真誠的心地。在此次的展覽中，我們看到藝術家楊淳淳用她自己獨特的語彙，繪出一幅幅真摯情感的作品。 赤子之心系列，淳淳規劃三個階段。第一階段紀錄人與社會間的關係，有感於許多傳統工藝、民俗文化漸漸消失而有的感觸。 「你曾看過巷口廟埕逢年過節時，高掛的白底紅框投影布幕與坐在矮板凳或報紙上的大人小孩嗎？」淳淳這麼說。和附近里民一同坐在廟前的廣場欣賞著露天電影，彷彿舊時代的社區聯歡晚會，拉近彼此間的距離。 第二階段是紀錄人跟自然的關係，例如近一兩年發生的新冠肺炎疫情，全球籠罩著低氣壓，考驗著各國的醫療量能與國民的防疫素質，又或者是人與環境間的關係……等等。第三階段為宇宙或虛無的境界──人與宇宙無我之間的關係。例如虛與實、質與量。 淳淳從《老子》中獲得一些體悟與想法，如「無為而無不為」。無為指的並不是什麼都不做，而是「不妄為」。無為是一種處世的態度和方法，凡事總有其內在規律和發展方向。因此為與不為應以此為標的，接受和順應這潛規則，不應妄加任何改變的因素和念頭。   展覽主述 在畫面上，結合現代和台灣傳統文化融合在同一畫面，訴說消逝和同時與時俱進的民俗、民生，去發掘在日常生活中大家未曾注意到的台灣特色，讓自己更發掘台灣文化以及了解自己...

  陳安琦陶瓷創作展【綺麗解剖】 展期：2020/10/17( 六)-11/29(日) 時間：週二至週日 早上 11  點至下午 6 點 (周一休館)
 地點：金車文藝中心南京館 
 ( 台北市中山區南京東路二段一號3 樓)
     「高跟鞋」帶有一種神祕的力量，穿上它會讓人充滿自信，彷彿獲得無形之中的加冕。從歷史的角度來看，高跟鞋在不同時空背景之中，都有其存在 的 意義與緣由，直至今日，高跟鞋已成為時尚、 愛美 的代名詞，開啟眾多不同的想像。藝術家陳安琦以高跟鞋作為單一的符號，拼出齒、人體骨骼的型態，思考高跟鞋對自我以及女性的意義，更與觀者在面對作品時產生對話，創造出另一種互動模式。   不舒適下的滿足 對於許多穿過高跟鞋的人來說，最痛苦莫過於 長時 間 踮起腳跟走路 ，以及雙腳與鞋產生摩擦 而 形成大小不同的水泡的痛。低下頭看著雙腳上美麗的鞋子，內心湧現出不同的聲音，是誰發明了這樣的鞋子? 又是誰讓我們對它愛不釋手?心理明知道這樣的鞋子總是帶來皮肉傷，但是站在鏡子前美麗的身影，卻又拂去了那一絲疼痛。受到資本主義的影響，加上資訊傳播的迅速，每一季的時尚走秀、品牌推出的最新商品，都充斥在你我生活當中，貌似只要穿上相同的鞋款，就能成為時尚之人。對於藝術家陳安琦來說，這些都是她過往的日常經驗，同樣的情境今日仍不斷上演，現在的她依舊對高跟鞋獨特魅力愛不釋手，她接受了不舒適的同時，也獲得相對的滿足感與自信。經由作品顯現出她對於高跟鞋的愛，自己親身感受是她創作中最直接的動力， 為此她開啟一系列與鞋相關的創作。   從寫實描述到符號表現 陶瓷看似堅硬卻也十分脆弱，陳安琦會選擇陶瓷作為創作，在於它可塑性高，根據不同成分、燒成方式、溫度、釉藥等，能產生不一樣的效果，相較於其它的媒材，陶瓷充滿挑戰與無限可能。陳安琦早期作品以鞋子搭配直接性的描述，手捏成形的方式在鞋子中加入螺絲釘、藥丸、 貓 等意象，讓人可以簡單理解她想表達的內容。近年來作品以純白色高跟鞋為中心，利用石膏翻模製作出多隻高跟鞋，模糊高跟鞋本身的形象，透過不同組合與拼湊的手法，延伸了單一物件的多樣性。 與身體作為關聯 這次展覽陳安琦會為觀眾帶來四組的作品，他們都與人相關，分別是牙齒造型的「噬」、骨盆造型的「娩」、脊椎造型的「承」和頭骨造型的「緒」。每個字都帶有對作...

展覽介紹 喜歡紀錄生活點滴，無論是手寫日記或是拍照，對於藝術家沈賞音來說，這些看似平凡的記錄，猶如種籽般地播下，讓她的創作傳遞著自己的生命經驗，如此豐富美好。 醉心於水墨繪畫 學習繪畫已經有相當長的時間，沈賞音特別著迷水墨工筆的繪畫方式。畫面依照創作者想表現的情境時而淡雅時而濃烈，她提到自己的創作著重於色彩的調配與人物配置，透過特定的色彩來組構出不同畫面，她不受傳統繪畫規範的束縛，大膽嘗試顏色與畫面中主角配角的相互關係，這樣的視覺表現產生另一種吸引人的效果。 畫面上除了著重於色彩，水墨工筆畫所使用的勾勒方式，也是她創作過程中非常喜歡的時刻。在畫線條的過程中，專注勾勒每一筆線條能讓她內心靜下來，作品中連續性的圖騰便源源不絕的被畫出來。雖然這些圖騰僅是單純的連續性，在繪製完成後看見成果，不單只療癒了沈賞音自己，內心更獲得滿滿的成就感。 藝術創作的產物 回溯過去創作脈絡，從最初的淡雅清新的風格、中期寶可夢系列作品與後期貓咪療癒系列，沈賞音的創作階段總共可以分成以上三個類別。這次於金車文藝中心南京館的展覽「小寵兒乘以我」，她將展出這三系列作品，讓觀者可以更了解她的創作內容，看見她多樣化的創作。淡雅清新作品大多是以舒服的色彩為主要繪畫方式，畫面主角為真實人物，搭配日常生活的記憶；寶可夢系列以最火紅的手遊為發想，其中＜夢境產物＞是本次展出的主打作品，描繪 以夢境為題，所定義之產物可能是有利的東西，也可能是有害的事物，但它們以滿足人們的需要為前提，畫面中以感官滲透的精靈寶可夢手遊角色為主人物為輔，亦諷刺現代人被科技演變控制的無所遁形。後期貓咪 療癒系列，主角聚焦在沈賞音的貓咪- 饅頭身上，她期望透過畫面結合過去生活的點滴，讓毛孩也能參與她的過往、現在以及未來。 畫筆堆砌的世界 自身經驗以及對社會的觀察，沈賞音在創作的過程尋找屬於自己的符號，寶可夢系列作品中，可以觀察到每隻寶可夢不同於原始的樣貌，使用平面化、線條化的繪畫，對比著畫面中精緻寫實的人物。寶可夢本體型態回歸到兒童創作的角度呈現，更是讓畫面產生趣味性，增添一份純真的樣貌。 依循自我的本心，繪畫著讓她覺得快樂、舒壓的圖像，是沈賞音一直以來對繪畫的初衷。她分享著自己的生活、喜歡的事物，藉由這樣的方式將快樂傳遞給觀者，細膩梳理著自己與世界的關係，創立自己獨特的發聲方式，或許對某...

展覽介紹 沉靜優雅帶著甜美笑容的陳胤汝，對談中雙眼的光芒散發出對於藝術的熱愛，喜歡中國水墨膠彩的繪畫及表現方式，讓藝術家陳胤汝在工作兩年後毅然決然回到校園，提升自己對知識與技術的追求，擁抱這個能將內心想法訴說出來的繪畫方式。 生活中看見純樸之美 從小學習不同繪畫媒材，對於 「美」產生莫大興趣，將所見的一切具體化的繪製在紙上，開始覺得當畫家是一件很棒的事。 觀察是許多人忽略的一種技能，生活周遭有許多風景待我們發覺，藝術家陳胤汝生長在南投，習慣觀察著周遭花草樹木，讓這些天然的療癒空間帶走心靈的不愉快。就算大學、研究所都在都市生活的她，還是經常被路邊的花草樹木吸引，並成為現在創作的養分之一，以一種平靜卻帶有豐富情感的表現方式在作品中呈現。 專攻中國水墨的陳胤汝，創作的媒材以紙本膠彩為主，她說自己喜歡水干顏料堆疊在紙上呈現的效果，顏色不太濃艷可以做到清幽、清淡、虛無飄渺的感覺，作品中的植物通常是路邊常見野草或常見的居家植栽，都是最貼近自己生活範圍的植物。創作內容以水、陸空間的結合創造出新空間，非寫實狀態的結合，呈現出虛幻不真實的樣貌，用魚、陸地上常見植物，映照自我內心空間的存在，透過植物的實景描繪與虛幻的空間表現虛實結合的氛圍，呼應內心世界矛盾曖昧卻又平靜的狀態。 關於展覽 六月於金車文藝中心南京館的膠彩創作展，主題為 「 相引 」，為互相吸引之意，其中指兩種吸引，一是作品由我對內心的探索發想，希望吸引觀者內心共鳴，二是作品以矛盾曖昧並存概念，如相反卻又相吸引的正負兩極，矛盾的心情與人格相互碰撞又在心中取得平衡。 這次展覽的主打作品是< 等待>，以切割的背景創造出四季秋海棠盆景放置於窗邊的景象，植栽有些許枯萎，似乎等待著誰來澆灌，一旁的玻璃珠暗示閒暇的時間，盆栽旁的小魚暗示空間中亦水亦陸的矛盾與曖昧，切割的窗框是空間與空間之間的連結，作品呈現是當時心境的映照，既平靜如常，又縈繞於心頭的情緒。 展出的另一件作品＜ 時間之外空間之中 ＞，可以看見藝術家陳胤汝對作品虛實的詮釋，她以陸地常見的野生植物- 矮仙丹，與水中生物結合，植物中穿插解構的門形線條，暗示陸空間與水空間之間的通道，跳脫原本植物的顏色使用，背景是黃昏及黎明時曖昧的粉色，整體展現寧靜且不真實的感受，由人的內在本質做發想，展現象徵內心曖昧又矛盾的平靜空...